Quelles alternatives au modèle de financement actuel de l’audiovisuel public français ? Du Royaume-Uni au Japon en passant par l’Allemagne et la Chine, tour d’horizon des modèles économiques des télévisions publiques à travers le monde.

De nouveaux services répondent d’ores et déjà aux attentes des artistes, souligne l’Adami : priorité à la présence internationale, gestion des droits transparente et dématérialisée (accès permanent à leur compte en ligne, optimisation de leurs revenus…), nouveaux programmes de financement des projets artistiques, support juridique et professionnel tout au long de leur carrière, canaux de communication adaptés à la mobilité…

L’association se concentrera sur trois sujets spécifiques : tout d’abord les licences et la rémunération équitable des artistes, considérant que les labels agissent de plus en plus comme des « partenaires des droits » plutôt que comme « titulaires de droits ». L’alliance estime « vital que ces changements fondamentaux soient reflétés dans les négociations sur les licences, et que les partenariats commerciaux avec les fournisseurs de services numériques soient aussi transparents et ouverts que possible. »

Les politiques publiques sont un autre axe prioritaire pour EMMA qui souhaite que l’adoption de cadres légaux paneuropéens et discussions politiques implique une plus grande participation des artistes et de leurs représentants, y compris les débats actuels sur la propriété intellectuelle, a fiscalité, la réforme du droit d’auteur et le Brexit.

La transformation digitale d’une entreprise ne dépend ni des outils, ni de la nomination d’une personne dédiée. C’est avant tout une question d’acculturation globale de l’entreprise, d’humain, une fois de plus !

S’il est un concept qui noircit à longueur de temps les agendas des comités de direction des entreprises (comme des administrations d’ailleurs), c’est celui de la transformation digitale.

Comment évoluer et s’adapter à cette lame de fond numérique qui a renversé la table en l’espace de quelques années entre l’ancien monde sagement codifié et le nouveau monde où la connectivité est permanente, la vitesse le mot d’ordre et l’agilité la posture.

Nombreuses sont les organisations à s’être attelées à la tâche pour ne pas sombrer ou perdre du terrain, mais en confondant souvent les priorités et les illusions. Et si l’humain et la culture étaient d’abord les clés de toute transformation digitale effective ?

Dix-sept salles de théâtres, dont douze à Paris vont désormais proposer de la publicité à leurs spectateurs, comme au cinéma.

L’agence ODW Régie, à l’origine de ce projet explique cette nouveauté : « Notre offre répond à deux problèmes des théâtres : un, comment faire la promotion de leurs propres spectacles, deux, comment pallier la baisse des financements, notamment publics » Un écran géant sera installé dans ces théâtres, qui partageront les recettes avec les théâtres.

Quatre minutes d’annonces publicitaires seront proposées avant chaque spectacle ; deux minutes de publicité classique et deux minutes de promotion de spectacle. « L’idée est de ne pas gêner le spectateur, tout en lui offrant de quoi patienter. Le théâtre est un lieu prestigieux, et nous proposerons uniquement des annonces nationales plutôt haut de gamme : voitures, bijou, parfumerie…«

Spotify et Live Nation poursuivent leur partenariat avec une nouvelle offre au Royaume-Uni : une série de concerts inspirés de la playlist Who We Be, qui répertorie les meilleurs sons urbains britanniques et est suivie par plus de 250 000 personnes. Première date le 14 juin.

Après avoir lancé en Juin 2017, une série de concerts inspirés par la playlist RapCaviar aux Etats-Unis, Spotify propose cette expérience inédite au Royaume-Uni.

Chroniqueur de musique depuis 35 ans, je n’ai jamais observé un problème d’une telle ampleur. J’ai donc entrepris l’écriture de cet essai, sorte de reportage mammouth sur la détérioration dramatique des conditions imposées aux musiciens à l’aube de l’ère numérique. Les artistes évoluent désormais dans un écosystème dominé par les nouveaux monopoles de l’internet. Depuis le début des années 1990, cette “misère des niches” se retrouve dans toutes les communautés musicales, à l’exception d’une poignée de superstars multimillionnaires et de quelques heureux élus des institutions. Cette détérioration s’étend bien au-delà de la musique ; les arts en général, l’information, les sciences, l’éducation sont tous fragilisés et menacés. » A. BRUNET

Devenu le style musical incontournable de la culture urbaine, le rap est implanté dans les habitudes des jeunes français depuis près de 30 ans. Très écouté, le rap surf sur la vague du streaming, une nouvelle façon d’écouter de la musique, très appréciée par le public. Cette nouvelle forme d’écoute a permis au rap français de connaître une glorieuse année 2017. Les rappeurs francophones ont reçu 64 certifications, ce qui est un véritable record pour ce style musical que l’on compare régulièrement au rock d’antan.

La Chambre des représentants américaine a voté à l’unanimité mercredi une réforme prévoyant de réviser entièrement la manière dont les musiciens sont rémunérés pour la diffusion de leurs chansons, notant que l’écoute de musique en continu a rendu les règles actuelles obsolètes.

Le texte doit désormais être voté au Sénat, mais fait l’objet d’un rare consensus parmi les élus de tous bords et au sein de l’industrie musicale.

Baptisé «Music Modernization Act», il doit notamment étendre les protections sur le copyright des chansons sorties avant 1972. Cette date limite avait jusqu’alors engendré nombre de procès de la part d’artistes mécontents de ne toucher aucune compensation sur leurs oeuvres anciennes.

Il est aussi prévu de mettre fin au système actuel –particulièrement compliqué et souvent jugé responsable des délais de paiement des artistes– qui réclame aux auteurs-compositeurs de fournir via l’organe chargé du copyright (US Copyright office) une notice d’intention sur les oeuvres.

Le Printemps de Bourges, qui ouvre la période des festivals, a réuni cette semaine une dizaine de startups du numérique et du spectacle vivant. Nombre d’entres elles gravitent autour de la billetterie, premier point de contact avec le public. Un enjeu crucial pour mieux connaître ses spectateurs afin d’optimiser le remplissage des salles et diminuer le risque financier pour les organisateurs.

Les classements officiels et les certifications communiqués par le Snep (Syndicat National de l’Edition Phonographique) évoluent pour ne prendre en compte que les seules écoutes en streaming issues de la consommation premium.

Réserver quelques heures d’enregistrement en ligne, c’est désormais possible avec la dernière version de Rekyou, la marketplace qui recense les studios et les home studios pour la prise de sons, le mixage et le mastering. Pendant sa sortie grand public, nous avons rencontré son cofondateur, Josué Bananier, qui revient sur l’histoire de la startup.

Modern technology is here to stay — that much is an understatement. In fact, not only is new technology here, it is progressing, and it is doing so at an increasing rate. Our lives are changing, revolutionizing, more quickly than anyone could have ever guessed. It has changed the way we work, the way we interact with one another, and the way we play, musically and otherwise.

The lives of musicians are radically different than they have ever been before. The tools at our disposal are phenomenally powerful, and while they are no longer the same as they once were — and this fact upsets some people — they are opening new avenues of musical creation. Even the physical act of playing one’s instrument is at times different than it could ever have been in the past.

Take electronic drum sets for example.

I love chart analysis. Simply because there’s just so much to examine; which artists managed to get the most tracks into Spotify’s chart? Can we figure out which artists managed to maintain a high position for a longer period of time? What’s the division of genres within the chart? How many different tracks enter Spotify’s chart on a weekly or monthly basis? As you can imagine, there is enough to explore.

Musical collaboration is about much more than cross-promoting
… but any extra attention is a nice benefit.

For me though, there’s a difference between teaming up with another artist primarily because it will open up a new demographic, and doing it because it’s an adventure, a means of expression, a way of exercising your creative range or challenging yourself.

I think most people can tell the difference too, and obviously what makes for effective cross-promotion begins in that more creative and expressive realm.