COVID-19

Réflexion : Le coronavirus pourrait tuer l’industrie de la musique. Il fallait peut-être qu’elle meure.

Article en anglais très documenté, de William Ralston sur Esquire UK : https://bit.ly/2SRHA6J dont des extraits en français ci-dessous.

Les salles, les festivals et les musiciens sont confrontés à un avenir précaire, mais Covid-19 pourrait-il être un catalyseur de réforme dans une industrie qui sous-estime sérieusement ses artistes ?

Tu te souviens des concerts ? Vous vous souvenez de la joie inaltérée de se tenir au coude à coude avec des étrangers qui crient et transpirent ? Ou d’être trempé dans un liquide jeté quelque part derrière vous, en espérant que c’était de la bière ? Les terribles concerts où le groupe ne jouait que ses nouvelles chansons ? Les spectacles qui changent la vie, où ils jouaient les chansons que vous aimez, et où vous aviez l’impression qu’ils les jouaient pour vous ? Vous souvenez-vous du bruit, des lumières et de la cérémonie de tout cela ?

Tout cela a disparu maintenant, apparemment indéfiniment. Covid-19 a tué ce que la loi anti-rave sur la justice pénale et l’ordre public n’a pas fait, ce que les anciens de Footloose ne pouvaient pas faire. En ce moment, l’idée de respirer le même air rempli de fluides corporels que des centaines d’étrangers est aussi séduisante que de lécher la poignée de porte d’un hôpital. Donc, pour l’instant, nous restons à la maison et écoutons nos albums préférés sur Spotify, nous fouillons dans de vieux vinyles, nous écoutons des concerts en streaming et nous nous demandons si une canette de Carling bien chaude ne pourrait pas nous donner un peu plus l’impression d’être dans le vrai.

En attendant, la musique se meurt. Et si nous ne faisons pas attention, il se peut qu’il n’y ait plus de scène vivante lorsque la pandémie sera terminée. L’industrie de la musique est habituée aux vents contraires, mais la nature indiscriminée de Covid-19 a éteint les lumières pendant la nuit. Aucun genre n’est à l’abri, aucun prix de billet ou taille de salle n’est à l’abri des retombées.

L’industrie mondiale de la musique en direct représente quelque 30 milliards de dollars par an. Ou plutôt, l’était. En quelques semaines, Covid-19 a tout arrêté, des concerts dans les pubs aux festivals. Et ce faisant, il a également mis en évidence la forme asymétrique de l’industrie musicale moderne, dans laquelle les artistes sont payés pour se produire, mais souvent à peine pour la musique qu’ils enregistrent. L’une des vérités de l’ère du streaming est que si Spotify a pu réduire à néant les revenus que vous tirez des disques, il permet aux gens de trouver plus facilement votre musique. Cela permet d’augmenter votre public en direct, et c’est là que vous gagnez votre argent. Aujourd’hui, avec un public de zéro, cet accord semble de plus en plus inapplicable.

Ce qui reste, c’est un océan de musiciens qui veulent mais ne peuvent pas travailler, et une infrastructure environnante de labels, de distributeurs, de magasins de disques, de musiciens de studio, de salles de concert et de tourneurs aux prises avec une situation précaire à laquelle rien n’aurait pu les préparer. La seule chose qui semble claire, c’est que quelle que soit la version de l’industrie musicale qui émergera, ensanglantée, de cette pandémie, elle ne ressemblera guère à celle qui l’a précédée.

« Ce n’est que lorsque quelque chose comme ça arrive que vous réalisez à quel point votre vie est précaire »
Pour un artiste, l’argent vient par cycles. Lorsqu’il écrit et enregistre un album, son label lui avance des fonds. À sa sortie, il y a un pic dans les recettes, dont une grande partie revient au label pour rembourser l’avance. Ils partent en tournée et participent à des festivals, ce qui leur rapporte plus d’argent et leur permet de vendre beaucoup de marchandises. Ensuite, les projecteurs commencent à s’éteindre et ils retournent en studio, avec une nouvelle avance, pour recommencer le processus.

Pour des artistes de niveau intermédiaire, l’été est le moment où l’on gagne le plus d’argent. Le temps chaud est synonyme de festivals, qui peuvent être très payants et qui permettent à un artiste de faire plusieurs concerts en quelques jours. Ils sont également essentiels pour trouver de nouveaux fans, qui peuvent tomber sur un artiste qu’ils n’auraient jamais entendu autrement, tomber amoureux, puis aller acheter un t-shirt et des billets pour une tournée. Tous ces spectacles ayant disparu, des centaines de milliers d’artistes se demandent maintenant comment ils vont pouvoir payer leurs factures pour le reste de l’année.

Plus l’artiste est spécialisé dans un créneau, plus le problème est aigu. Pour de nombreux DJ, pour qui « tourner » est aussi simple que de sauter dans un avion avec un sac de disques, les ventes en streaming ou physiques sont si difficiles à rentabiliser que la musique enregistrée n’est qu’un outil de marketing – faites un tube et vous aurez plus de réservations. Des artistes comme Thibaut Machet, un DJ français basé à Berlin, passent leur vie à voler de boîte de nuit en boîte de nuit, jouant deux ou trois spectacles au cours d’un week-end. Les cachets varient de 500 à 1 500 euros (430 à 1 300 livres sterling) par spectacle, moins les vols et les frais de réservation, mais avec la fermeture de clubs dans le monde entier, ce chiffre est tombé à zéro du jour au lendemain. Machet a été obligé de demander l’aide du gouvernement allemand. Une subvention a couvert quelques mois de loyer, mais il ne sait pas quand il pourra à nouveau gagner sa vie. « Il faut mettre de l’argent de côté, mais il est difficile d’économiser de nos jours », dit-il. « Les gens pensent que nous gagnons beaucoup, mais la réalité n’est pas comme ça pour beaucoup de DJs de mon secteur.

Niko Seizov, un manager d’artistes travaillant dans la musique électronique, pense qu’une réduction du nombre d’artistes est inévitable. « Avec la disparition de leurs revenus, beaucoup de petits artistes devront commencer à chercher des emplois de jour, ce qui les empêchera de consacrer suffisamment de temps à leurs activités créatives« , dit-il. « Cela nuira à l’industrie de la musique car le progrès et la révolution créatifs commencent toujours par le bas. »

Il est plus probable que la pandémie déclenche une discussion sur l’enregistrement des contrats. Bien que les services de streaming aient remodelé le lien entre le détaillant et le label, la relation entre le label et l’artiste a à peine changé depuis les années 70. Les contrats d’enregistrement traditionnels rémunèrent les artistes sur la base de redevances, environ 15 à 20 %, le reste étant conservé pour couvrir des éléments tels que le marketing, les coûts de production et les besoins de profit du label. Mais comme le dit un dirigeant, à une époque où les revenus des droits d’auteur sur les disques se sont effondrés, ces droits sont « dépassés » et empêchent de nombreux artistes de générer de l’argent réel à partir de leurs enregistrements. Les labels indépendants ont évolué depuis un certain temps vers des accords plus transparents et personnalisés avec les artistes, et Covid-19 va « secouer tout le monde et montrer que nous avons tous besoin de les regarder ».

Les annulations ont frappé Steer (ingénieur du son) de plein fouet ; 60 % de ses revenus proviennent d’événements en direct. Les grands groupes peuvent se permettre de rémunérer leur équipe de tournée, avec des contrats qui les protègent contre les annulations, mais les artistes en début de carrière ont tendance à payer leur équipe au jour du spectacle, au jour du voyage et aux indemnités journalières. Même une petite tournée exige tout, des roadies aux ingénieurs de l’éclairage et aux techniciens du son, mais peu d’entre eux ont mis en place des contrats exécutoires. Lorsque les spectacles n’ont pas lieu, ils ne sont pas payés.

« Nous devons tirer les leçons de cette expérience et mettre en place des mesures qui nous rendront moins vulnérables à l’avenir ».
« Tous mes collègues ont été touchés », dit M. Steer, « et certains n’ont aucune perspective de travail pour l’année entière ». Cette industrie de l’ombre est invisible pour la plupart des fans de musique, mais sans eux, les spectacles n’ont pas lieu. On craint vraiment que beaucoup d’entre eux ne soient obligés de quitter l’industrie si l’arrêt dure des mois. Lorsque nous pourrons enfin retourner dans les clubs et les salles de concert, il se pourrait qu’il n’y ait plus personne pour installer le son, faire fonctionner les lumières ou même surveiller les portes.

Steer, quant à lui, espère que Covid-19 déclenchera une structure plus large pour protéger les entrepreneurs indépendants, comme lui. « Qu’il s’agisse de syndicalisation, de changements dans la législation gouvernementale, ou simplement d’un financement plus accessible à tous par le biais de subventions et d’aides, nous devrions tirer les leçons de cette expérience et mettre en place des choses qui nous rendent moins vulnérables à l’avenir ».

Personne ne sait quand ce futur sera, mais comme pour le sport, la musique en direct sera probablement l’une des dernières choses à être autorisée lorsque le verrouillage des marchés finira par se lever. Quand ce sera le cas, le paysage sera étrange et maigre. Au cours des premiers mois, attendez-vous à une explosion de nouvelles sorties, soit celles retardées par le virus, soit celles réalisées alors que les artistes étaient enfermés chez eux. « Je constate que l’énergie créative de notre industrie dépasse de loin tout ce qui existait auparavant, non seulement au niveau de l’idée mais aussi de l’exécution », déclare Neil Bainbridge, publiciste spécialisé dans la musique.

Dans un premier temps, les artistes vont bloquer les salles qui ont survécu à la fermeture, mais il n’en restera peut-être plus beaucoup. Les clubs et les salles de concert du Royaume-Uni ferment à un rythme effrayant depuis la Grande Récession et Covid-19 pourrait tuer beaucoup de ceux qui ont survécu. Des rapports indiquent que seulement 17 % des salles de concert britanniques de base sont financièrement sûres pour les deux prochains mois, ce qui signifie que plus de 500 salles de concert pourraient avoir fermé leurs portes pour de bon au début de la fermeture.

Les promoteurs sont également confrontés à des pertes importantes. En règle générale, l’assurance les couvre, mais les polices excluent presque universellement les maladies transmissibles, sauf si elles sont achetées spécifiquement, ce qui est « extrêmement rare », selon un courtier. Au début de l’année, certains assureurs ont même explicitement retiré les coronavirus de leur couverture.

La reprise sera probablement lente. Les petits événements de type boutique/showcase disparaîtront les premiers, emportant avec eux la diversité et la texture de la scène. La plate-forme qu’ils offrent aux jeunes talents expérimentaux disparaîtra. Ceux qui resteront, cherchant à récupérer leurs pertes, donneront la priorité aux événements à faible risque et à marge élevée, ce qui signifie que nous verrons les mêmes files d’attente apparaître sur les affiches dans tout le Royaume-Uni.

La dernière pièce du puzzle est la relation entre les artistes et les fans. Blâmez Spotify et l’industrie du disque cannibale et aveugle tant que vous voulez, mais c’est nous qui avons mis les artistes sur la sellette, qui en sommes venus à considérer la musique comme quelque chose qui devrait être gratuit ou proche de la gratuité, plutôt que comme un art qui mérite d’être payé. Mais en exposant les failles systématiques et en mettant en avant des moyens alternatifs d’interaction entre l’artiste et le public, Covid-19 pourrait-il changer cela ? Des artistes en difficulté ont commencé à proposer des chansons ou des spectacles exclusifs payants, et d’autres ont mis en place des ateliers de production en ligne. Ce sont des solutions temporaires, mais elles ferment la boucle entre la créativité et la récompense.

« Si vous deviez reconstruire l’industrie musicale à partir de zéro, vous ne la monétiseriez pas comme elle l’est actuellement »
Certes, cela fonctionne mieux quand on essaie de capter l’air raffiné d’une salle de concert – aucun courant ne peut s’approcher de l’énergie transpirante d’une rave. Mais c’est un pas dans une nouvelle direction, et il suffit de regarder les jeux vidéo, où le public soutient les joueurs par des abonnements et des parrainages via les plateformes Twitch et Patreon, pour se rendre compte à quel point le modèle musical est anachronique.

Au-delà de cela, Covid-19 pourrait aussi recalibrer notre perception de la valeur d’un album. La fragilité de la musique n’a jamais été aussi évidente, et cela pourrait nous encourager à soutenir les artistes en achetant, plutôt qu’en diffusant en continu, notre musique par le biais de plateformes transparentes et conviviales pour les artistes.

Le site Bandcamp prend normalement une commission de 15 % sur chaque vente (ce qui est nettement plus généreux que la norme du secteur : à titre de comparaison, Apple prélève 30 % pour les ventes par l’intermédiaire d’iTunes), mais le 20 mars, pour soutenir sa communauté de musiciens, d’artistes et de créateurs, Bandcamp a renoncé entièrement à sa commission.La fragilité de la musique n’a jamais été aussi évidente, et cela pourrait nous encourager à soutenir les artistes en achetant, plutôt qu’en diffusant en continu, notre musique par le biais de plateformes transparentes et conviviales pour les artistes. « En termes d’argent dans la poche d’un artiste, l’achat d’un seul album ou LP vaut des milliers de flux », explique Josh Kim, directeur de l’exploitation de Bandcamp, une plateforme où les artistes et labels indépendants peuvent vendre directement à leurs fans.

Article en anglais très documenté, de William Ralston sur Esquire UK : https://bit.ly/2SRHA6J dont des extraits en français ci-dessus.

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