COVID-19

La diffusion en direct est-elle soudainement devenue le format principal de la musique (et le flux de revenus des artistes)?

Analyse et article complet en anglais de Keith Jopling, qui est « Consulting Director » pour MIDIA : https://bit.ly/2Pm1nsU

Il semble que plus le Covid 19 traîne en longueur, plus le commerce de la musique en direct semble désespéré. Dans une interview récente de Bob Lefsetz, Marc Geiger a clairement indiqué que ce n’est pas l’année prochaine, mais en 2022, que le secteur de la musique live pourra véritablement reprendre son activité « normale » (et, compte tenu de la demande refoulée d’ici là, peut-être plus importante que jamais pour les salles et les promoteurs encore en activité). La déclaration de Geiger sonne juste car, ayant déjà quitté son poste de responsable mondial de la musique à Endeavor/WME, sa vision des choses est claire et sans contrainte.

L’idée d’attendre jusqu’en 2022 est un monde de souffrance pour le secteur du spectacle vivant. Les grands promoteurs et les propriétaires de salles ont des réserves de liquidités et peuvent emprunter sur leurs revenus futurs, tandis que les petits indépendants doivent désormais compter sur le soutien du gouvernement pour avoir un espoir de survie. La plupart sont déjà pris dans le cauchemar de la suppression de la demande et de la bureaucratie procédurale. En attendant, tous les spectacles reprogrammés avec optimisme à partir du printemps 2021 devront être reprogrammés une nouvelle fois. Quant aux spectacles à capacité limitée et aux drive-in, aucun d’entre eux ne pourrait ressembler davantage à un très mauvais substitut à la réalité.

Mais d’un autre côté, il se passe quelque chose de vraiment novateur dans le domaine de la musique en direct par streaming. La diffusion en continu de spectacles en direct avait été une opportunité négligée au cours des deux dernières décennies, mais par nécessité, un nouveau secteur a été créé en l’espace de quelques mois. La diffusion de spectacles en direct a commencé par des spectacles à domicile, avec Ben Gibbard et Erykah Badu, tous deux des pionniers qui ont courageusement tenté l’expérience et ouvert la voie à d’autres. Nous avons eu des représentations magnifiquement filmées (bien que « fantomatiques ») dans des salles vides, des apparitions en tête d’affiche de festivals virtuels sur Fortnite, et les inévitables tentatives de spectacles de réalité virtuelle à 360 degrés.

La seule façon de vraiment tirer parti des excellentes innovations déjà mises en place dans le nouvel espace de diffusion en direct est d’accepter les différences entre ce format et l’expérience totalement physique du spectacle en direct lui-même. Les meilleurs spectacles en direct sont sociaux, légèrement viscéraux et transpirants. On ne peut pas voir cela sur un écran, mais c’est probablement l’un des meilleurs aspects d’un spectacle en direct. Les récents commentaires d’Erykah Badu sur sa propre vision de la tournée m’ont d’abord fait réfléchir dans ce sens. Elle l’a dit au New York Times :

« J’ai toujours voulu jouer depuis mon lit à la maison. Je n’ai jamais voulu faire les valises, fouiller dans la voiture, les bagages et l’hôtel et me demander quel était le mot de passe. Qu’est-ce que l’internet ? On se fatigue après des années et des années de tournée, vous savez ?

Bien que cette phrase exprime les expériences moins que parfaites des artistes sur scène, elle est également reflétée par les fans. Pensez au nombre de fois où vous avez été bloqué à l’arrière d’une salle bondée, incapable d’entendre la musique et encore moins d’avoir une vue décente du groupe. Et puis il y a les toilettes, le bar et ces autres personnes qui vous ennuient. La solution de streaming en direct de Badu (The Quarantine Concert Series : Apocalypse) était une série de spectacles interactifs bien produite depuis son domicile. Au départ, les fans devaient payer 1 $ par vue, mais depuis, les prix ont augmenté (de façon assez raisonnable).

Les valeurs de production font la différence

Ces flux en direct à haute valeur de production se sont distingués de la foule (et comme chaque artiste a succombé au format d’une manière ou d’une autre, cette foule est vaste). Personnellement, j’ai beaucoup apprécié les sessions #elbowroom d’Elbow, où le groupe s’est clairement attaché à réinterpréter une courte série de chansons enregistrées chez eux et assemblées avec soin (celles-ci sont à la demande plutôt que diffusées en direct). Les Rolling Stones se sont distingués lors du concert One World Together grâce à quelques astuces techniques soigneusement exécutées. Chapeau à la direction d’ATC pour leur spectacle en direct à tirage limité avec Laura Marling à la Union Chapel de Londres (bien que Marling soit parfaitement convaincant en direct de chez elle) et leur récent spectacle de Nick Cave « Idiot Prayer » à l’Alexandra Palace (enregistré en direct mais diffusé quelques semaines plus tard avec la valeur de production d’un film de concert d’art et d’essai). Les deux projets ont été bien accueillis par la critique et semblent avoir été un succès commercial dans les conditions économiques les plus difficiles.

Mais voici mon point clé : lequel de ces formats a vraiment fonctionné de manière à pouvoir être répété et mis à l’échelle ? Lequel de ces formats connaîtra un tel succès en soi, indépendamment du fait qu’il soit un substitut à la réalité ? Jusqu’à présent, dans le domaine de la diffusion en direct, bon nombre des obstacles précédents ont été surmontés : de nombreux spectacles ont été bien diffusés en direct, sans hoquet et ont attiré un large public (Bang Bang Con de la BTS a attiré 750 000 utilisateurs payants, tandis que les spectacles diffusés en direct par Erika Badu ont atteint plus de 100 000). Plus important encore, la question de la « disposition à payer » a reçu une réponse positive.

Suite de l’analyse et article complet en anglais de Keith Jopling, qui est « Consulting Director » pour MIDIA : https://bit.ly/2Pm1nsU

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