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Réflexion – Changer l’approche philanthropique de la musique : la magie est au milieu

Je suis prêt à parier que vous avez une assez bonne compréhension des deux côtés de ce diagramme de Venn. (article en anglais de Elizabeth Cawein sur Medium : https://bit.ly/3mAdpyh)


Sur la droite, vous comprenez que les organisations à but non lucratif axées sur la musique font des choses comme s’engager auprès des jeunes, présenter des spectacles publics comme la symphonie ou l’opéra, qu’elles offrent des cours et des ateliers, font de la musicothérapie, utilisent la musique comme outil pour construire la communauté dans les quartiers. Vous comprenez que ces activités sont vitales pour notre tissu culturel et ne peuvent pas nécessairement s’autofinancer, c’est pourquoi elles sont souvent financées par la philanthropie – fondations, particuliers, subventions des gouvernements locaux et fédéral.


À gauche, vous pensez probablement aussi que vous comprenez l’industrie de la musique – même si vous n’êtes qu’un fan occasionnel. Vous comprenez que les artistes font des disques, qu’ils les vendent, qu’ils font des tournées, qu’ils font du merchandising, qu’ils font de la publicité, qu’ils placent leur musique à la télévision et au cinéma. Vous comprenez qu’un artiste ou un groupe est comme une petite entreprise, une entité à but lucratif capable de gagner sa vie grâce à ces diverses sources de revenus.


Ce que je parie que vous ne comprenez pas – et ce que je sais que nos organisations philanthropiques écrivent en gros et que notre modèle philanthropique ne comprend pas – c’est le milieu de ce diagramme.


Et le milieu, c’est ce que, je pense, nous devons trouver si nous voulons que la production musicale dans nos villes qui ne sont pas des centres industriels survive à COVID et au-delà.

L’avenir de la musique dans nos villes se trouve au milieu.


Il y a une catégorie d’artistes ou de musiciens – pour les besoins de cette illustration, disons 10 % – qui vont toujours déménager dans une ville carrefour, dans un endroit comme L.A., New York ou Nashville, où leur management, leur publiciste, leur label, leur producteur, etc. Et il y a un groupe de base, disons 30 %, qui sont des amateurs , des gens qui peuvent être incroyablement talentueux mais qui, pour une multitude de raisons, ne se retrouvent pas à essayer de gagner leur vie avec la musique.


Et puis, il y a le milieu. Que 60 % des artistes talentueux, des joueurs, des auteurs de chansons, des musiciens de studio qui se construisent des carrières parfois renommées au niveau national mais qui choisissent de vivre dans la ville qui n’est pas un centre industriel mais qu’ils appellent leur maison, veulent ce que nous voulons tous : trouver comment gagner confortablement leur vie et subvenir à leurs besoins et à ceux de leur famille en faisant non seulement ce qu’ils aiment, mais ce dans quoi ils excellent.

Dans le passé, j’ai utilisé une analogie avec l’agriculture. Nous semblons tous accepter que l’agriculture est à la fois une entreprise à but lucratif et une industrie qui nécessite des subventions. Parce que dans ce cas, nous acceptons tous aussi, évidemment, que nous avons besoin de nourriture pour survivre. Nous avons besoin de ces agriculteurs pour produire, nous avons besoin qu’ils atteignent le seuil de rentabilité chaque année afin de pouvoir continuer à produire, et dans les années difficiles, nous attendons de notre gouvernement qu’il accorde des subventions pour les maintenir en activité. J’imagine que toute personne lisant cet article n’a aucun problème à saisir cette dichotomie – qu’une ferme est à la fois une entreprise à but lucratif et quelque chose qui nécessite et reçoit un soutien sous forme de subvention gouvernementale.


Maintenant, à moins d’un revenu minimum universel (que mon petit cœur saignant accueillerait à bras ouverts parce que, vous tous, les gens ont besoin d’argent), il est impératif que nous trouvions comment aborder la musique de la même manière.
Laisser le secteur de la musique dite « à but lucratif » complètement hors de l’équation philanthropique indique une incompréhension fondamentale de l’industrie musicale moderne, des flux de revenus disponibles pour les créateurs de musique et, surtout, de l’impact presque incommensurable que la classe moyenne musicale a sur nos villes et nos communautés.

(Et si vous vous demandez pourquoi la philanthropie devrait soutenir un artiste qui « ne peut pas se débrouiller seul » ? Peut-être parce que même les plus talentueux sont souvent payés 100 dollars par concert, comme c’était le cas en 1985. Ou parce que même ceux qui ont des milliers de fans gagnent encore des fractions de centime grâce à un flux.

Lorsque j’ai commencé à travailler pour Music Export Memphis (MEM) il y a près de cinq ans, j’étais surtout motivé par ma conviction que nos artistes étaient nos meilleurs ambassadeurs, nos meilleurs recruteurs, nos meilleurs vendeurs, et qu’ils n’étaient pas mobilisés ou honorés en tant que tels. Mais au cours des années qui ont suivi, j’en suis venu à croire que la partie la plus significative de cette chose que j’ai construite est peut-être qu’elle existe au milieu.


MEM reconnaît que les artistes avec lesquels nous travaillons sont des entreprises à but lucratif – ils vendent des marchandises, sont payés pour jouer des spectacles, vendent des produits de musique physique comme le vinyle – mais nous avons aussi une compréhension assez sophistiquée du paysage pour savoir qu’ils ont besoin de subventions pour survivre.

(article en anglais de Elizabeth Cawein sur Medium : https://bit.ly/3mAdpyh)

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