Droits d'auteur et droits voisins

Les artistes qui ne réutilisent pas leur musique laissent de l’argent sur la table

Alors que le streaming devient un jeu de superstar, un compositeur de films et de télévision explique comment le musicien moyen peut créer une seule chanson en 20 sources de revenus différentes – ou plus.

Article de Craig Dodge dans Rolling Stone (en anglais) : https://bit.ly/2Iglybj . Craig Dodge est un compositeur dont la musique a été entendue dans plus de 140 films et émissions de télévision et dans plus de 45 jeux vidéo.

Peu importe le type d’artiste que vous êtes – un groupe de reprises de guerriers du week-end, un auteur-compositeur-interprète multi-platine, ou un compositeur ou un instrumentiste – parce que les musiciens du monde entier se réconcilient avec la clé de Covid-19. jeté dans leurs moyens de subsistance. La majorité subit de grosses pertes de revenus en raison du manque de tournées et de ventes de produits dérivés connexes, d’événements en direct et d’autres opportunités en personne.

Comment un artiste peut-il donc se procurer de nouvelles sources de revenus ? Il y a une façon stratégique de le faire que la plupart des gens de l’industrie ne connaissent pas : Penser à chaque morceau de musique comme une douzaine de morceaux potentiels ou plus.

En tant que compositeur et professeur de musique, l’un des principes fondamentaux que j’enseigne aux musiciens est que considérer une chanson comme une seule entité est une façon dépassée de penser l’art – et qui limite vos possibilités de revenus. Traditionnellement, un musicien écrivait une chanson, l’enregistrait, la distribuait, la diffusait à la radio, l’ajoutait à des services de streaming, participait à des concours ou payait pour figurer sur des listes de lecture, et jouait des spectacles ou faisait des tournées pour la promouvoir. Faites mousser, rincez et répétez. Mais le paysage a changé, et nous avons maintenant des marchés comme les jeux vidéo, les séries télévisées, la publicité et le cinéma, qui donnent aux musiciens beaucoup plus de possibilités de vendre leur musique. L’approche du « one-trick-pony » est une chose du passé.

Mais cette nouvelle approche exige un changement de mentalité. Avant d’entrer en studio pour enregistrer, un artiste doit réfléchir aux différentes façons dont chaque fragment de seconde de la chanson pourrait servir à des formats autres que la chanson elle-même. Ce qui est amusant dans cette stratégie, c’est qu’elle ne coûte rien, mais peut aider les artistes à augmenter considérablement leurs revenus, leur catalogue, leur base de fans et leur réseau de divertissement. Voici comment cela fonctionne.

Une seule chanson représente 20 sources de revenus différentes
Il y a quelques années, j’ai regardé mon catalogue de musique : j’avais de la musique dans plus de 100 émissions de télévision me payant des redevances trimestrielles continues de mon organisation de droits d’exécution (PRO), et j’avais composé la musique de 20 films et de plus de 40 jeux vidéo. Ce n’est pas si mal.

Mais j’ai commencé à réfléchir à la manière dont je pourrais augmenter la valeur de la musique que j’avais déjà écrite. Pourrais-je lui trouver de nouveaux marchés ? Et si cette nouvelle approche pouvait m’aider à produire un travail plus rentable à l’avenir ?

Je m’étais trop concentré sur les vieilles stratégies qui existent dans l’industrie de la musique depuis des décennies. Alors, comme exercice, j’ai pris un morceau de musique qui avait déjà été utilisé sur des réseaux comme MSNBC et MTV et je l’ai divisé en autant de « parties » utilisables que possible. Mon objectif était de faire en sorte que chaque seconde de musique compte et que chaque seconde puisse générer davantage de revenus dans de nombreuses formes de médias.

Voici la liste de produits que j’ai élaborée pour ce morceau unique :

2 min. 00 sec. Piste instrumentale complète
15 sec. Version
30 sec. Version
60 sec. Version
2 versions Alt Mix
8 versions de Sting
32 Boucles
8 points
En quelques heures seulement, j’en ai eu 54 versions. C’est 54 nouveaux produits à présenter avec de nouveaux titres et de nouvelles longueurs, et adaptés aux différents besoins de chaque marché.

J’ai contacté le superviseur musical de L.A. qui m’a donné mon premier placement musical pour un documentaire en 2010 et lui a demandé s’il cherchait de nouvelles musiques pour ses projets. Il a répondu par l’affirmative : il travaillait sur une série de six épisodes de DirectTV basée sur la guerre d’Afghanistan et avait besoin d’une musique de fond « tendue et sombre », de préférence avec un ensemble de boucles. Etait-ce de la chance ou juste un bon timing ? Je lui ai envoyé le pack de 54 titres que je venais de terminer. Il a fini par utiliser cinq titres du coffret dans quatre des épisodes, et neuf mois plus tard, j’ai reçu une déclaration de redevance de mon producteur. J’étais soudain plus riche de 10 000 dollars ; depuis, cette série est passée sur Netflix et Amazon Prime, et me verse toujours des royalties tous les trois mois.

J’utilise désormais cette approche pour chaque nouvelle chanson ou chaque nouveau titre que j’écris : Je compose pour tirer le meilleur parti de chaque piste que j’enregistre. Deane Ogden, un batteur et producteur qui a écrit pour NBC et CBS, a utilisé cette stratégie – et me dit que la création d’un « package de décomposition que les éditeurs peuvent adapter pour le visuel, jusqu’aux éléments singuliers » a quadruplé ses revenus de royalties.

J’écris surtout de la musique instrumentale, mais cette approche peut être appliquée à des chansons ou des morceaux écrits par des auteurs-compositeurs-interprètes, des groupes, des beatmakers et des musiciens de tous genres. Voici, par exemple, une ventilation des versions qu’une chanson pop ou rock typique pourrait donner en utilisant cette approche de réorientation :

3 min. 30 sec. Piste complète avec voix
3 min. 30 sec. Instrumental
30 secondes Full Track With Vocals
Instrumental de 30 secondes
60 secondes de piste complète avec les voix
Instrumental de 60 secondes
Batterie et basse
Alt Mix
Guitare 1 Stem
Guitare 2 Stem
Tige vocale
Tige vocale de fond
Tige de bar
Tige de tambour
Tige des clés
1 min. Boucle 1
Boucle 2 de 30 secondes
Boucle 3 de 30 secondes
Sting 1 de 5 secondes
Sting 2 de 5 secondes

L’artiste dispose maintenant d’un pack de 20 morceaux pour la chanson, avec de nombreuses versions, toutes enregistrées individuellement auprès de leur PRO, et qui peuvent toutes être utilisées sur différents marchés.

Où placer toute cette musique ? Voici quelques clients potentiels pour votre nouveau pack de musique.

La télévision : Vous pouvez présenter votre chanson originale aux superviseurs et aux éditeurs de musique, qu’il s’agisse de télé-réalité, de sport, de drame policier, de dessins animés, de documentaires, d’informations ou de tout autre sujet, avec la possibilité d’utiliser des versions courtes avec ou sans votre incroyable voix. Ils voudront peut-être utiliser à la fois une partie de l’original dans une scène sincère et la version instrumentale dans la scène de montage finale. La version de 30 secondes convient peut-être parfaitement pour une promotion de l’émission, ou la version de 20 secondes fonctionne mieux avec le sting de 5 secondes qui aide la scène à se transformer en publicité. Peut-être qu’ils ne veulent pas utiliser cette piste de guitare ou de synthé, ou qu’ils veulent changer les niveaux ou le panoramique du mixage lui-même – quoi qu’il en soit, vous leur avez donné la possibilité d’être flexibles dans leur travail. Les éditeurs de musique aiment faire partie du processus de création et, en leur donnant les tiges de votre morceau, vous leur facilitez la tâche en préemballant votre travail de différentes manières. En retour, vous pouvez recevoir des redevances trimestrielles, vous constituer une base de fans en faisant passer votre musique à la télévision et obtenir une exposition sérieuse. Les bibliothèques musicales et les bibliothèques de musique de production sont d’excellents endroits pour commencer à soumettre vos œuvres.

Films : Dans le format long d’un film, votre musique pourrait être utilisée comme musique source (musique à l’intérieur du film que les personnages peuvent entendre), ou dans le générique final, les bandes sonores et les bandes-annonces. La licence d’utilisation de votre chanson dans un film comprend généralement une jolie redevance de synchronisation initiale et des droits d’auteur permanents – ce qui n’est pas un mauvais compromis pour prendre un peu plus de temps dans votre studio pendant le processus de mixage. En utilisant cette approche pour vos projets à venir, vous devriez négocier toutes les exigences de mixage de votre package musical avec votre producteur/ingénieur avant d’enregistrer une seule note pour éviter d’avoir à y retourner plus tard pour creuser les sessions et vous faire payer plus cher pour remixer toutes les versions de votre chanson.

Publicité : Les budgets publicitaires des théâtres, de la télévision, de la radio et d’Internet sont importants, mais il n’est pas économique de consacrer tout cet argent à des artistes superstars. C’est là que vous intervenez. Au lieu d’essayer d’obtenir une licence pour une chanson célèbre à six chiffres, les superviseurs musicaux travaillant pour les agences de publicité peuvent trouver une chanson dans la même veine d’un artiste ou d’un groupe en devenir pour un prix plus raisonnable. Si vous avez reconditionné votre musique, vous avez déjà vos versions de 30 et 60 secondes prêtes à l’emploi, ce qui leur facilite la vie. Les chansons des publicités constituent un excellent moyen de développer l’audience de votre nouveau et ancien catalogue, d’élargir votre base de fans et d’ouvrir de nouvelles oreilles à votre musique.

Les jeux vidéo : Quand j’ai commencé à réorienter ma musique, ma seule idée était de la faire entrer dans les jeux vidéo. Avec 24 millions de développeurs de jeux à travers le monde, qui ont tous besoin de conception sonore et de musique pour leurs jeux et leurs applications, c’est un marché énorme. En démontant ma musique pour créer des versions en boucle et des scènes coupées, puis en la re-titrant pour attirer le public des développeurs de jeux – oui, vous devez les attirer différemment – j’ai pris de la musique qui avait déjà été utilisée dans plus de 50 émissions de télévision à travers le monde et je l’ai commercialisée auprès des centaines de milliers de développeurs de jeux qui visitent chaque semaine des sites web de jeux comme Unity et Unreal Engine pour trouver des effets sonores et de la musique. Là encore, vous avez quelque chose dont ce marché gigantesque a désespérément besoin.

Les grands artistes utilisent déjà la méthode de reconversion que je propose. Ils n’en parlent peut-être pas publiquement, mais le retraitement et la réutilisation de la musique est une tendance croissante dans le monde des affaires d’aujourd’hui. Les auteurs-compositeurs-interprètes écrivent plusieurs séries de paroles pour leurs chansons, chacune étant créée pour plaire à un public, une population, une émotion, une époque, un lieu ou un concept différents.

Article de Craig Dodge dans Rolling Stone (en anglais) : https://bit.ly/2Iglybj . Craig Dodge est un compositeur dont la musique a été entendue dans plus de 140 films et émissions de télévision et dans plus de 45 jeux vidéo. Il a fondé et copropriétaire Taris Studios , qui propose des cours pour aider les musiciens à maximiser leurs revenus.

Taris Studios : https://www.taris-studios.com/home

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